Teatro UNAM

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Archivo: Obra

Lady Óscar Salomé

Fotos: Ulises Ávila

Galería fotográfica | Ensayo

Yuriria Fanjul
Dramaturga e intérprete

Destacada actriz y artista multidisciplinaria, conocida por su versatilidad en el mundo del teatro y la ópera. Fanjul se ha hecho notar por su enfoque creativo y su pasión por la creación escénica. Estudió una maestría en teatro físico en la Técnica Lecoq en la London International School of Performing Arts y Naropa University. Ha trabajado como actriz, directora de ópera, libretista y guionista. Ha sido reconocida con diversos apoyos del Sistema de Creación como Efiteatro y Efimúsica. Fue becaria del FONCA (SACPC), de Ibermúsicas y de la Fundación Sura. Su interpretación en el espectáculo unipersonal Camille Claudel fue nominada como mejor monólogo por la ACPT (Asociación de Críticos y Periodistas Teatrales) y reseñada como una de las tres mejores obras del año por Confabulario el Universal, en tanto que su guión para televisión Seis herencias fue premiado por Filmmarket Hub. “Claudel y Fanjul son la misma. Sobre el escenario se manifiesta el virtuosismo de una espléndida artista. Ver Camille Claudel es presenciar el arte por antonomasia” –Roberto Sosa (ACPT)

Arturo Fuentes
Dirección escénica y diseño de vestuario

A lo largo de las dos últimas décadas, Fuentes ha creado un catálogo diverso de más de cien obras. Compositor y artista multidisciplinario, ha incursionado en la dirección escénica, el cine documental y la obra pictórica. Radicado entre México y Austria, Fuentes ha desarrollado un lenguaje personal caracterizado por la exploración del timbre, el silencio, la poética del sonido y la imagen y la exploración escénica.

Rogelio Sosa
Música original

Compositor, artista y promotor cultural, el trabajo de Sosa se desarrolla entre el arte sonoro, la música experimental, el audiovisual, la instalación y el performance inmersivo. Egresado de Ateliers UPIC y el IRCAM en París, obtuvo la maestría en Música y Tecnología por la Universidad de París VIII. Ha sido una figura clave en el desarrollo del arte sonoro en México: fue curador de arte sonoro del museo Ex Teresa Arte Actual, programador del Festival Decibel, director del Festival Radar y fundador y director del Festival Aural de la Ciudad de México, entre otros. Su música ha sido publicada por sellos de Europa, México y Estados Unidos, y su trabajo se ha presentado en más de 50 ciudades del mundo. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre ellos el Sistema Nacional de Creadores de Arte en tres ocasiones, así como apoyos, premios y residencias internacionales.

Participantes por orden alfabético

Nombres de combate

No te pierdas la sesión presencial del

Aula del Espectador

El teatro documental y la Cultura de paz

Charlan: Martín López Brie, Sofía Beatriz y Zulai Macías

Sábado 9, 17 h | Teatro Santa Catarina
Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán
Dur. 60 min | Entrada gratuita

Teatro de Quimeras 

Compañía teatral radicada en la Ciudad de México, cuyas principales poéticas comprenden, por un lado, un teatro íntimo y sintético, en contacto cercano con el público y cuya principal apuesta está en la imaginación del espectador fecundada por el fenómeno escénico; y por otro, Intervenciones y dispositivos escénicos que generen espacios de interacción con diferentes públicos y contextos. 

Martín López Brie
dramaturgo y director 

Dramaturgo y director de teatro mexicano; ha colaborado en más de 30 puestas en escena en diferentes rubros (Iluminación, vestuario, dirección, escritura). Como dramaturgo obtuvo el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo (2004) el Premio Nacional Manuel Herrera de Dramaturgia (2007) y el Premio Bellas Artes de literatura (2016) Se han estrenado varias de sus obras, entre ellas: Órfico Blues, El crimen del Hotel Palacio; El Culebra; Homicidio Imperfecto; Simón Bruma; y La Doncella Ponzoñosa. Ha publicado los libros Tiresias Jam, por el Fondo Editorial Tierra Adentro; Postales, por Ediciones el Milagro; El crimen del Hotel Palacio, por el Instituto Queretano de Cultura; Homicidio imperfecto, por Ediciones Paso de Gato; y El Culebra, por Anónimo Drama Ediciones. También ha realizado intervenciones a espacios públicos, obras en museos e instalaciones escénicas. Ha sido beneficiario del FONCA en la categoría de Jóvenes Creadores y dos veces miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. 

Arturo Reyes 

Estudió la Licenciatura en Actuación en la Escuela de Arte Teatral del INBA de 1987 a 1991 y más tarde, en 2016, realizó un diplomado en CEUVOZ sobre la voz y la palabra. A lo largo de su trayectoria, ha sido beneficiario de varias becas  del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Su experiencia profesional es extensa y variada, abarcando obras de diferentes géneros y estilos, como por ejemplo: La cantante calva, El circo, El laberinto de un hombre solo y El barbero de Sevilla. Fue parte de la Compañía Nacional de Teatro entre 2008 y 2012, participando en numerosas producciones y festivales. Además de su trabajo como actor, ha sido docente de actuación en diversas instituciones, incluyendo la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA y Casa Azul Artes Escénicas. También ha tomado varios cursos y talleres para complementar su formación, incluyendo yoga terapéutico, técnica Linklater y canto. 

Gabriela Gallardo 

Licenciada en Arte Teatral por la ENAT (INBA), es actriz, dramaturga y directora escénica, con formación musical como cantante y ejecutante de jarana y acordeón aplicados al teatro. Especialista en maquillaje escénico, fue becaria del FONCA (Creadores Escénicos-Cabaret, 2012). Con 19 años de trayectoria profesional, ha colaborado con directores como Mauricio Jiménez, Claudia Ríos, María Morett y Martín López Brie. Su trabajo se ha presentado en festivales como el Cervantino, el Festival de Monólogos en Mérida (Venezuela), la Feria del Teatro del Oprimido en Sao Paulo, el Festival Internacional de Cabaret y Tiempo de Mujeres. Desde 2008 ha escrito y producido más de 15 obras con Las Hijas de Safo. Actualmente impulsa el proyecto Club de Teatro, enfocado en comunidad artística independiente.

Sofía Beatriz López 

Actriz, y bailarina de danza clásica del este de la India estilo Odissi. Especialista en teatro del gesto y movimiento. Egresada del colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM con especialidad en actuación. Realizó una residencia en la escuela de Teatro y movimiento de Mar Navarro y Andrés Hernández en Madrid, España en 2016 y otra En Buenos Aires en la escuela de teatro y movimiento de Marcelo Savignone en 2019. Becaria del FONCA en la categoría creadores escénicos 2016. Como actriz participó principalmente con las compañías Laboratorio de la Máscara, y El espejo teatro, con giras en USA, Colombia y el interior de la república. Forma parte de la Compañía Teatro de Quimeras cuyos montajes se han presentado en Buenos Aires Argentina, en 2019 y 2016; Así como en diversos festivales nacionales, también en los principales teatros de Ciudad de México del INBA y el Sistema de teatros de la CDMX. En televisión participó en la serie “Rosario Tijeras 3 de Teleset en 2018. 

Gastón Yanes 

Actor con trayectoria desde 1990. Tiene formación artística profesional desde los 7 años de edad. Estudió en el Núcleo de Estudios Teatrales (NET) y en Dell’ Arte School of Physical Theatre, (California). Compañías teatrales: Carpa Theater en Austria, Dell’ Arte Players Company en Estados Unidos, Teatro de Fuego y es miembro fundador de Teatro de Ciertos Habitantes de la CDMX. En nuestro país ha participado en más de 35 obras trabajando con varios de los más destacados directores del ámbito teatral y musical. De gira se ha presentado en todo México, EU y 22 países de América Latina, Europa y Asia.

Protegido: Lady Óscar Salomé

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Partinuplés

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Costos
Localidad general $150
Localidad general $150
50% de descuento a alumnos, maestros con credencial actualizada, exalumnos de la UNAM e INAPAM; no aplica los jueves.
Aplica programa Puntos Cultura UNAM.
Jueves Puma $30.00

Los boletos para funciones de Jueves Puma para el Foro Sor Juana, se venden únicamente en taquilla el día de función. La taquilla abre a las 10 am.

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Ana Caro de Mallén

Ana María Caro Mallén de Torres (conocida como Ana Caro de Mallén) fue una dramaturga y poeta del Siglo de Oro español cuya vida y obra han sido reconstruidas a partir de una minuciosa investigación documental en archivos de los siglos XVI y XVII. Su trayectoria revela tanto su talento literario como las complejas condiciones sociales que marcaron su origen y desarrollo intelectual.

Nacida a inicios del siglo XVII y registrada en Granada como “esclava” en su bautismo, Ana María fue adoptada por Gabriel Caro de Mallén y Ana María de Torres, quienes le proporcionaron una educación poco común para una mujer de su tiempo. Gracias a ello, desarrolló una sólida formación humanística, visible en el dominio de referencias clásicas, históricas y mitológicas que atraviesan su obra. Su escritura también da cuenta de una mente crítica, atenta a los acontecimientos políticos y sociales de su entorno, y capaz de introducir, con sutileza, cuestionamientos sobre el orden social.

Hacia 1625, la familia se trasladó a Sevilla, ciudad donde Ana María inició y consolidó su carrera literaria. Allí publicó en 1628 el primer texto que se conserva de su autoría y se integró a círculos intelectuales como la academia del conde de la Torre, además de contar con el respaldo de figuras influyentes. Su prestigio le permitió acceder al mundo editorial y compartir espacio en antologías junto a destacados dramaturgos como Lope de Vega, Calderón de la Barca y Juan Ruiz de Alarcón.

Su producción dramática, aunque hoy limitada en número, evidencia una notable madurez técnica. Las comedias Valor, agravio y mujer y El conde Partinuplés destacan por su construcción escénica y por el tratamiento de temas como la identidad, el honor y la autonomía femenina. En ellas, se percibe una sensibilidad particular hacia los personajes subordinados, a quienes dota de complejidad y capacidad de actuar por sí mismos, revelando una mirada crítica hacia las jerarquías sociales.

Diversos testimonios contemporáneos sugieren que su obra fue mucho más amplia de lo que ha llegado hasta nuestros días. Se sabe, por ejemplo, que escribió autos sacramentales y otras piezas por encargo, y que recibió remuneración por su trabajo, lo que confirma su ejercicio profesional como escritora en una época en que era excepcional para las mujeres.

En 1637 realizó un viaje a Madrid por encargo de la corte, y mantuvo vínculos con figuras cercanas al poder político, como el Conde Duque de Olivares. Sin embargo, su vida transcurrió principalmente en Sevilla, donde residió de forma continua hasta su muerte.

La última noticia documentada de su actividad literaria data de 1646. Ese mismo año, una inscripción de defunción en la parroquia de Santa María Magdalena —atribuida a la autora— sugiere que falleció víctima de una epidemia de peste. Las condiciones de su muerte hacen probable que gran parte de su obra inédita se haya perdido, posiblemente destruida junto con sus pertenencias, como era habitual en esos casos.

A pesar de las lagunas documentales, Ana María Caro Mallén de Torres emerge hoy como una figura singular del teatro del Siglo de Oro: una autora que, desde un origen marginal, logró insertarse en los circuitos literarios de su tiempo y dejar una huella que continúa siendo objeto de estudio y revaloración.

Paola Izquierdo

Actriz, productora, directora y docente de teatro. Ha escrito tabién guiones de radio y coescrito y asesorado dramaturgia para teatro y teatro-cabaret. Egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBAL. Maestra en Pedagogía Teatral por la misma Institución. Beneficiaria del Programa de Creadores Escénicos (2003, 2006, 2009 y 2015) y Creadores Escénicos con trayectoria (2022-2025) del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC.) Habla inglés (C2), francés (A2) y explora diversos instrumentos musicales. Recibió la presea «La Dama de la Victoria» de la Agrupación de Críticos y Periodistas Teatrales (ACPT) como Actriz de Comedia por el monólogo #NoSoyGorda, de María Chayo, dirección de Morris Savariego. Dos veces galardonada con el Premio Metropolitano de Teatro: Mejor coreografía y movimiento escénico para una obra (2022), por A golpe de calcetín de la compañía Idiotas Teatro; y Mejor adaptación de obra de teatro o musical (2022) por Liz-sí-trata de la Compañía Mulato Teatro. Ha sido nominada en otras ocasiones como actriz de soporte por La tortuga de Darwin, dirección de Ginés Cruz, producción de Teatro UNAM y por Sra. Klein, dirigida y coprotagonizada por Emoé de la Parra, entre otras. Destaca también su trabajo en el monólogo de su autoría De princesas, príncipes y otros bichos, con el que se ha presentado en más de 20 ciudades a lo largo del país y en diversos festivales, incluyendo la Muestra Nacional de Teatro y que fue traducido al inglés dentro del programa de Intercambio de Residencias Artísticas del FONCA-Lark Play Development Center de Nueva York; Un banjo y dos muertos, de Mariana Hartasánchez, dirigida por Andrea Salmerón (Nominada como Mejor Comedia en los Premios Metro 2023); Los locos de Valencia de Lope de Vega, Amor es más laberinto de Sor Juana Inés de la Cruz y Fray Juan de Guevara, ambas dirigidas por Gilberto Guerrero; La Lúser, de Cutberto López, (QEPD) dirección de Ginés Cruz; poryectos que le valieron notables comentarios de la crítica; además de La Tempestad, de William Shakespeare (Mejor obra de Teatro Clásico APT 2012.) dir. Salvador Garcini, al lado del reconocido actor Ignacio López Tarso (QEPD) y La farsa infantil de la cabeza del dragón de Ramón María del Valle-Inclán, dirección de A. Velis (Mejor obra intantil AMCT 2000). Actualmente desarrolla, con apoyo del SACPC, el proyecto «La historia de la teatra» , que comprende puestas en escena, lecturas y un programa de televisión, para difusión de las aportaciones culturales de mujeres en la historia. Dentro de las actividades relacionadas con este proyecto, está por estrenar Partinuplés producida por Teatro UNAM en el Foro Sor Juana; y reestrenará La falsa conferencia de la firmeza en el ausencia en el Foro de las Artes; fue seleccionada con Historias amorosas no tan ejemplares para el Festival Nacional de Monólogos Teatro a una sola voz, unipersonal con el que fue invitada por Siglo Latinx a presentarse en Ohio Wesleyan University y recientemente al Festival LA Escena en Los Ángeles, California.
Galería fotográfica | Ensayo
Galería fotográfica | Elenco

Fotos: Pili Pala

Creativos por orden alfabético

Existen muchas formas de llegar a la costa

La Compañía Opcional

Grupo de trabajo formado en 2010 con sede en Guadalajara, México. Trabaja en el ámbito de la escena expandida dando lugar a relaciones dinámicas entre el relato subjetivo y el oficial, utilizando la ficción como herramienta transformadora. El trabajo de la opcional busca que el arte, y en específico el teatro, devenga en espacios de encuentro y en ocasiones en artefactos que jueguen y apuesten por la vitalidad y la imaginación. Sus trabajos se han presentado en México, España, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Colombia, Cuba y Argentina.

Aristeo Mora

Director de escena, gestor e investigador. Crea contextos en los que las artes escénicas se entrelazan con su entorno a partir del encuentro y la acción situada. Participó en espacios como el Festival de Avignon, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y la Cuadrienal de Praga.

María Cecilia Guelfi

Dramaturga. Su escritura combina artes escénicas, investigación territorial y relato documental para explorar la relación entre ficción y experiencia comunitaria. Integra el colectivo La playa es gratis junto a Lara Brown y escribe en Teatron, revista digital de artes vivas.

Fotos: Pili Pala

#8M 2026

ALBA*  

Autoría y dirección: Valentina Manzini Valdés
Compañía: Mujeres Pájaro Teatro
Producción de Teatro UNAM
*Proyecto apoyado por el SACPC

Actrices: Alejandrina González, María Kemp*, Irma Sánchez y Abril Ramos Xochiteotzin**
**Alternan funciones

A partir del 12 de marzo
Jueves y viernes | 20 h
Sábados | 19 h
Domingos | 18 h
Duración:  80 min | + 13

Teatro Santa Catarina
Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán

ALBA es una obra interdisciplinaria que explora la depresión, el suicidio y el duelo desde la perspectiva de un grupo de amigas. A partir de una nota de despedida, las amigas se embarcan en una conmovedora búsqueda para intentar evitar el anunciado suicidio.

Más info
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ALBA

Localidades agotadas para el resto de la temporada

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Más allá de la escena: ¡súmate a los conversatorios!

Dur: 60 min, al finalizar funciones

domingo 12 de abril

Sobre ALBA

Con Mujeres Pájaro Teatro

sábado 18 de abril

La salud mental actual

con Mujeres Pájaro Teatro.
Modera: Laura Reyes Trigos, psicoterapeuta

domingo 19 de abril

Sobre ALBA

Con Mujeres Pájaro Teatro

Fotos: Pili Pala

Galería fotográfica | Ensayo
Galería fotográfica | Estreno
Galería fotográfica | Elenco y equipo creativo

Mujeres Pájaro Teatro

Grupo integrado por artistas que buscan generar espacios seguros de autoexploración y exploración de la voz creativa de las mujeres a través de la colaboración entre creadoras. Conciben el teatro como una herramienta de conocimiento y de investigación sobre las problemáticas que las atraviesan, así como un medio para ensayar nuevas formas de relación humana desde la práctica escénica.

Conformada en 2019 por creadoras multidisciplinarias egresadas del Centro Universitario de Teatro de la UNAM, la compañía desarrolla una línea estética interdisciplinaria que dialoga con los medios audiovisuales, la música y la danza. Su trabajo se enfoca en impulsar proyectos realizados por mujeres, fortalecer su presencia en las artes escénicas y cuestionar las relaciones de poder dentro de la práctica teatral.

Mujeres Pájaro Teatro es un grupo de artistas amigas que se admiran mutuamente. Cada una tiene intereses, capacidades y características propias que ponen en juego en el conjunto. Se inventaron un colectivo artístico para explorar sus intrigas a través de la creación artística. Se conocieron en la escuela de teatro, pero todas tienden a la interdisciplina. Trabajando en su primera obra se tropezaron con el cine y desde entonces mezclan teatro, cine, danza, música y artes visuales en sus piezas.

Participantes por orden alfabético

Bajo esta piedra hundirás tu iglesia

1. En el principio

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Fotos: Un Colectivo/Alejandro Carrillo

Galería fotográfica | Ensayo
Galería fotográfica | Pre estreno

1:1 En aquellos días:
Justificación y antecedente.

Las prácticas artísticas cumplen una función en
la constitución y mantenimiento de un orden
simbólico dado, o en su desafío.

Chantal Mouffe, 2014, p.98

El estado de Guanajuato se caracteriza por su fuerte conservadurismo y su estrecha relación con la Iglesia católica, lo que se refleja en la oposición a los derechos reproductivos de las mujeres y a la educación sexual. Su modelo de desarrollo, basado en la inversión extranjera y la industrialización —especialmente en el sector automotriz— ha transformado el territorio y generado empleos precarios dentro del marco de políticas neoliberales. Según el investigador Fabrizio Lorusso, este contexto, sumado a desigualdades socioeconómicas, políticas represivas, debilidades en el sistema de justicia y la expansión de grupos armados, ha incrementado la violencia en la región (Lorusso, 2019). Desde León, este entorno sociopolítico influye en prácticas artísticas que buscan crear espacios de contrainformación y movilización social. El caso de Ciudad de los Niños en Salamanca evidencia la impunidad derivada de los vínculos entre el Estado y la Iglesia, así como la vulneración de derechos de infancias y juventudes, resaltando la importancia de la memoria colectiva y el arte como herramientas de denuncia.

1:2 Del libro de los hechos
(narrados brevemente)

Aunque las primeras denuncias contra el albergue Ciudad de los Niños y su responsable, el sacerdote Pedro Gutiérrez Farías, surgieron en 2008, las acciones legales fueron tardías e insuficientes. Entre 2016 y 2020 se confirmaron graves violaciones a derechos humanos, incluyendo tortura, violencia física y sexual contra niñas, niños, adolescentes y personas adultas con discapacidad intelectual. También se documentó la apropiación ilegal de menores registrados como hijos del sacerdote. A pesar de las recomendaciones de la Comisión Nacional de Derechos Humanos para investigar y reparar los daños, el sacerdote falleció en 2020 sin enfrentar justicia. El texto propone recuperar esta historia mediante un ejercicio escénico que denuncie la impunidad y explore formas de justicia no revictimizante.

1:3 Y vio que lo hecho era bueno:
Apuesta política – estética

¿Cómo sería ese teatro que decide intervenir el
pasado más allá de la justicia y más allá de la
representación? Un teatro que realiza lo justo,
movilizado por la rabia tanto por el amor, en un
presente en que se entrelazan el dolor y el deseo de
quienes vivieron y vivirán y hacia quienes somos
responsables.

José A. Sánchez.

Bajo esta piedra hundirás tu Iglesia es el primer capítulo del proyecto “Trilogía del Simulacro”, desarrollado en el marco del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2023–2026), que articula investigación y creación escénica. El proyecto explora cómo el arte puede funcionar como un gesto de reparación simbólica y transformación del tiempo, combinando disciplinas artísticas, crítica a lo eclesiástico y jurídico, y ejercicios de imaginación política.

La propuesta se inscribe en una genealogía del arte latinoamericano comprometido —como el teatro comunitario, el arte político y las prácticas de memoria— y toma inspiración de colectivos como Yuyachkani y Mujeres Creando. Su metodología integra cinco ejes: práctica documental, comunitaria, performática, liminal entre arte y activismo (especialmente en defensa de derechos humanos), y jurídica, usando el arte para reinterpretar instrumentos legales y acercar la ley a la experiencia social.

1:4 Bajo esta piedra…

«Y al que escandalice a uno de estos pequeños que
creen en mí, más le valdría que le colgaran al
cuello una gran piedra de molino y lo hundieran en
lo profundo del mar»

Mateo 18:6

La pieza parte de una dramaturgia de archivo que entrelaza lenguajes poéticos, lúdicos, jurídicos, religiosos, mediáticos y de protesta para construir una instalación escénica que oscila entre lo cotidiano y lo extracotidiano. En escena convergen figuras de poder, heroínas reales, un coro, ballet folklórico y una banda de “palomas no blancas” que cantan y bailan por justicia. El trabajo corporal se ha explorado a partir de la piedra de molino como metáfora de lo aparentemente inamovible que, al ser intervenido, revela su condición transformable desde una ética de la liberación.

El archivo que nutre la obra es amplio y heterogéneo: documentos jurídicos, materiales audiovisuales, discursos públicos y registros históricos, resignificados desde el arte como espacio de ternura rebelde mediante danzas regionales y música pop de los ochenta, noventa y dosmiles. El diseño sonoro, a cargo de Homero Guerrero, reinterpreta este acervo musical para situarlo en presentes disruptivos y utópicos. El vestuario y las máscaras, diseñados por Eva de la Rosa, transitan entre lo folklórico, lo distópico y lo icónico de la cultura pop.

La iluminación y el espacio, desarrollados por Diana Echaury, proponen dispositivos escénicos no convencionales y lúdicos. Talleres abiertos con Alfonso Carrillo y José Juan González fortalecen el trabajo comunitario y colectivo, integrando a niñeces y vecinas y vecinos del barrio. Finalmente, el equipo creativo —Alejandro Carrillo, Cuauhtémoc Vázquez y Sara Pinedo— consolida un proceso de creación colectiva que articula investigación, producción y diseño artístico para el estreno y la primera y breve temporada

Colectivo de investigación – creación escénica indisciplinaria que apuesta por la creación colectiva, la práctica documental y comunitaria, procesos antropológicos y pedagógicos, la exploración de la escena liminal, el arte crítico y participativo, así como sus vínculos con el espacio de lo denominado público. Su trabajo ha rodado por el país y el extranjero en Argentina, España, Inglaterra, Colombia, Cuba y Alemania; además de foros como la Muestra Nacional de Teatro, el Festival Internacional Cervantino, Theaterwelt, Encuentro-Festival de Teatro Comunitario de la Región de los Volcanes, entre otros. Forma parte del programa Voces del Sur del Fringe Festival de Edimburgo. Desde el 2014 colabora en proyectos de arte comunitario en el estado de Guanajuato, con Teatro del Puerto (Salamanca, Gto.) y Lxs de Abajo (San Juan de Abajo, León, Gto.).

https://www.uncolectivo.com 

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Hasta encontrarte

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Los boletos para funciones de Jueves Puma para el Foro Sor Juana, se venden únicamente en taquilla el día de función. La taquilla abre a las 10 am.

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Galería fotográfica | Temporada 1

Fotos: Ulises Ávila

Creativos por orden alfabético

2025 en números

Informe de Teatro UNAM 2025

El año 2025 representó para la Dirección de Teatro UNAM un periodo de intensa creación, articulación y reflexión dentro de un contexto universitario en constante transformación. En un escenario donde la vida cultural enfrenta nuevos desafíos —desde la necesidad de ampliar el acceso a la oferta artística hasta la urgencia de fortalecer los vínculos con nuestras comunidades—, Teatro UNAM reafirmó su misión: producir y promover propuestas escénicas que activen el pensamiento crítico, abracen la diversidad de voces y alimenten el intercambio de ideas sobre los temas que atraviesan nuestro presente.

La solidez de nuestros procesos de investigación y la convicción ética que guía nuestro trabajo nos permitieron abrir caminos de formación, experimentación y diálogo para estudiantes, creadoras y creadores, y profesionales de las artes escénicas. Cada acción emprendida durante este año buscó fortalecer la profesionalización, impulsar la vinculación y participación de la comunidad teatral y, a la vez, propiciar espacios donde confluyeran distintos lenguajes artísticos, científicos y tecnológicos que amplían las posibilidades expresivas del Teatro Universitario.

Nuestra visión enfocada en consolidarnos como un referente en la escena nacional e internacional se nutrió, en 2025, de alianzas estratégicas, colaboraciones interinstitucionales y un diálogo permanente con nuestras audiencias. Ese tejido de relaciones permitió que los proyectos de Teatro UNAM se situaran en un viaje compartido que celebra la tradición del Teatro Universitario, a la vez que impulsa nuevas formas de creación capaces de interpelar los desafíos sociales, medioambientales y culturales de nuestro tiempo. Como puente entre generaciones de artistas y la sociedad mexicana, reafirmamos nuestro compromiso hacia la construcción de una Cultura de Paz a través de prácticas artísticas que invitan a pensar, sentir y cuestionar la realidad.

Con estos principios como guía, seleccionamos y desarrollamos puestas en escena que dialogaron con los grandes programas culturales universitarios —Fiesta del Libro y la Rosa; El Aleph. Festival de Arte y Ciencia; la Feria Internacional del Libro de las Universitarias y los Universitarios; el Festival CulturaUNAM; y la 32ª edición del Festival Internacional de Teatro Universitario— además de proyectos con presencia en escenarios nacionales e internacionales. Paralelamente, impulsamos estrategias de divulgación y mediación orientadas a garantizar que el teatro, como derecho cultural, sea accesible, diverso y significativo para los distintos públicos.

El Informe 2025 reúne un panorama detallado de nuestras actividades más relevantes: la presentación de producciones y coproducciones en los recintos de Teatro UNAM y en otros espacios dentro y fuera de la Universidad; la gira del Carro de Comedias; la Residencia Expuesta de este año; el 3er Estudio del Observatorio Teatral; el coloquio Dramaturgias en nuestro presente; la Residencia/Laboratorio Nuevas Dramaturgias del Teatro Clásico Hispánico; el Tercer Diplomado Internacional de Escritura Dramática para Jóvenes Audiencias; la consolidación de nuestra actividad académica y editorial, que articula procesos de formación, reflexión crítica y producción de conocimiento en torno a las artes escénicas; el programa de Apuntes; y las transmisiones en TV UNAM de producciones realizadas por esta Dirección.

Asimismo, el informe presenta los resultados de nuestros programas de mediación con públicos —Aula del Espectador Virtual, el Concurso de Crítica Teatral Criticón y las actividades del Programa Vive el CCU con Puntos Cultura—, así como el trabajo sostenido desde la comunicación en medios digitales y plataformas de divulgación para mantener informada a la comunidad universitaria y al público.

El 2025 fue un año de retos, sí, pero también de oportunidades para expandir horizontes, profundizar en nuestros compromisos y reafirmar la relevancia del teatro como espacio de encuentro, pensamiento crítico y creación colectiva. Este informe da cuenta de ese camino compartido y del impulso continuo que guía a Teatro UNAM: hacer del arte escénico un territorio vivo, abierto y profundamente vinculado con su comunidad.

DIRECCIÓN DE TEATRO UNAM 

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¡Nos vemos en 2026!