¿Cómo iniciaste dentro de la disciplina teatral? ¿Por qué decidiste dedicarte a ella?

Surge como acto de rezongo/berrinche/refunfuño puberto. Cuando era más joven estaba más involucrada con la música, mi hermana mayor y mi madre me habían prohibido entrar a teatro porque cito: “Se veían ridículos haciendo cosas tan extrañas” y me recomendaron amablemente nunca estar en ese tipo de espacios. Por mera curiosidad adolescente y gracias a esa fase de ir en contra de lo que me prohibían, nace una sed enorme que se convirtió en una esencia permanente.
Hay muchas veces donde he decidido dedicarme a las artes escénicas: 1) Cuando tenía 16 años y fui a una obra de Karen Bernal, creadora escénica yucateca, no dijeron ninguna palabra en escena y yo sentí que me habían dicho el mundo entero. Salí del teatro con lágrimas en los ojos sin explicarme qué me había atravesado. Ahí lo decidí, no había otra opción. 2) Cuando dirigí mi primera obra de teatro entre amigas y amigos 3) Cuando decidí regresarme de Italia porque una puesta en escena que había dirigido fue financiada para realizar una gira en el sur de la República.
Dedicarme a las teatralidades es una decisión construida por numerosos momentos, porque ha sido el lugar donde he tenido la libertad de crear utopías, inventarme lenguajes en común y en comunión hacia la búsqueda de posibilidades, paralelamente a ello; ser parte de algo que se lo llevará el viento.

¿Qué preguntas siguen alimentando tu práctica? ¿Qué anhelos tienes por vivir dentro de las artes escénicas?

Preguntas.
Cada cuestionamiento escénico personal, conlleva una experiencia personal, un momento-etapa de mí dentro de la escena o la vida y un encuentro con creadoras de diversas latitudes. Aquí algunos encuentros y preguntas que ahora me resuenan:
Encontrándome con Yuly Moscosa, creadora escénica campechana, hermana de la escena y co-fundadora de Argot Teatro, compañía escénica donde laboro desde hace seis años atrás, nos hemos cuestionado constantemente ¿Cómo traducir lo que nos atraviesa en la experiencia hacia un lenguaje escénico honesto y cercano? ¿Cómo seguir nutriendo una familia escénica desde una forma horizontal y sorora?
Encontrándome con Liliana HeSant, creadora escénica yucateca y co-fundadora de Medeas: Red de Jóvenes Investigadoras de la Escena con quien laboro, nos cuestionamos ¿Cómo establecer una postura política dentro de mis territorialidades? ¿Cómo mapear el deseo y entrenar una política de cuidados hacia mis otrxs?
Encontrándome con Tamara Burón, creadora escénica chilena-yucateca, me realizó una provocación escénica que ahora lanzo como cuestionamiento ¿Es la ficción una forma de espiritismo? ¿Qué múltiples energías, realidades y universos entran en la ficción? ¿Es posible hablar de ritualizaciones contemporáneas?
Confrontándome conmigo los cuestionamientos son diversos: ¿Qué responsabilidad ética y política tengo en las narrativas planteadas en escena? ¿Qué historias estoy contando? ¿Qué narrativas estoy legitimizando? ¿Cómo habito el mundo y cómo lo relaciono con la escena? ¿Cómo puedo construir una cercanía, una especie de presencia afectiva? ¿Qué tipo de lenguaje deseo inventar y por qué?
Anhelos.
Anhelo abrir nuevas rutas donde construyamos espacios sororos, sin competencia y libres de violencia.
Anhelo muchas teatralidades como mecanismos para mantenernos conectadxs. Ser sociales es parte de nuestra biología, compartiremos con muchísimas personas por el resto de nuestras vidas. Somos biológicamente optimizados para estar en comunidad. Y el teatro es para compartirnos.

Anhelo evitar la sobreexplotación, en eliminar la violencia en las artes escénicas, sofocar la invisibilidad en las creaciones de mujeres y evitar las comparaciones sociales.
Anhelo la regeneración. Lo que ha durado leer este mensaje aproximadamente tres millones de células por segundo han muerto y generado, nos regeneramos todo el tiempo. Creo en nuestra regeneración de pensamiento, de espíritu y nuestra ser teatralis también se ha regenerado.
Anhelo dejar un teatro mejor al que encontré por primera vez.
Yo utopizo el teatro y estoy segura que si podemos crear el teatro que anhelamos.

Describe tu quehacer teatral en tres palabras. ¿Qué hace de tu forma de habitar el teatro una práctica singular y distinta a las demás?

Ternura, incendio, empatía.
Sin embargo, mi habitar no es distinta a las demás, mi existencia no es distinta al resto de la humanidad. Habitamos una bola de polvo, es un granito más de solo uno de los millones y millones que forman el universo observable.
El universo puede ser un millón de veces más grande
Y jamás lo sabremos.
Pensar que hay una búsqueda singular que me hace distinta es una ficción más, porque nacimos de las mismas colisiones.
Estamos hechos con la misma materia y quizá suena a una forma muy existencial de ver el camino, pero pensar en que tengo algo único y singular en mi habitar en el mundo no me llena, no me la creo. Me llena pensar que somos lo mismo que el universo, una estrella, el vecino que me cae bien o mal, una nebulosa. Incluso mejor, somos una parte que siente y que piensa el sistema nervioso de nuestro propio universo y eso me da la posibilidad de construir algún tipo de utopía en las estrellas o detonar una fractura.
Todxs somos necesarixs.

¿Cuál consideras que es la importancia del teatro en este momento histórico?

Considero que el teatro transforma y es ritual de muerte y resurrección. Entrar a la caverna y salir como algo totalmente diferente. Sin embargo, ahora en contingencia estamos preocupadxs por sobrevivir, por comer, porque nuestras familias y red afectiva esté sana y salva. Que ver teatro sería la última de nuestras preocupaciones.
Esta es una respuesta al estilo Gato de Schrödinger, simultáneamente el teatro es inherente para la vida y a la vez no. Ambas respuestas conviven y depende de quién la responda, depende en qué situación y dónde resida. Sin embargo, puedo decir una sola certeza: En momentos de pandemia, ante la imposibilidad de no estar presente en teatros, es momento de re-pensar la escena, reflexionar el quehacer personal pero nunca más quedarnos en silencio. Podemos crear desde las pantallas, desde los espacios que podamos y sean seguros para nosotrxs, movernos, accionar, reflexionar.
Por ello, en Medeas, Red de Jóvenes Investigadoras de la Escena, mediante la construcción sorora, hemos sido una una plataforma virtual mexicana que nace con el objetivo de vincular procesos creativos a través de la escritura y construir un espacio que sirva de impulso a jóvenes artistas a escribir sobre sus procesos y socializarlos para generar redes desde una óptica constructiva. También, nos es crucial comprometernos socialmente con la urgencia de leer a las voces jóvenes y creaciones emergentes

¿Qué crees que debería cambiar en nuestro modelo teatral?

Interpreté “modelo teatral” traduciendo de forma etimológica “modus” (manera o medida) es decir, maneras teatrales.
Actualmente en el gremio artístico de las artes escénicas, las diversas formas de violencia y discriminación contra las mujeres siguen existiendo, incluyendo casos de maltrato, violencia física o sexual, gordofobia, homofobia y racismo.
Y pienso que ABSOLUTAMENTE TODO DEBERÍA CAMBIAR.
Las teatreras estamos hartas de los abusos de poder, los hostigamientos, el abuso sexual y la violencia machista.
Estamos hartas de la revictimización y de las faltas de políticas públicas con perspectiva de género.
Estamos hartas de las narrativas heteronormadas, patriarcales desde una visión unilateral y masculina.
Realicé un muestreo donde la región del sur de la República Mexicana tiene una participación en la creación de mujeres menor a un 30% en dirección y dramaturgia. Los documentos y registros de las creaciones escénicas son muy limitados y por ello, también existe una necesidad e importancia para el registro virtual en las creaciones de mujeres en las artes escénicas. En las aulas, no hay suficientes referencias bibliográfica hecha por mujeres y las instituciones de gobierno no asignan recursos públicos como estímulo a la creación escénica de forma equitativa.
Cabe mencionar, que también hay una visión centralizada en la Ciudad de México y las “otras latitudes” que conforman todos los demás estados de la República Mexicana, se considera como “Teatro de provincia” o “Teatro en los Estados”, es un modelo teatral legitimizado no solamente por instituciones sino por el gremio escénico considerado desde una visión centralizada y conlleva a minimizar y descalificar el trabajo creativo realizado fuera de la Ciudad de México.

¿Qué le deseas a la siguiente generación de hacedores teatrales?

Les deseo que construyan el teatro que quieran vivir o espectar. Deseo que se les trate de forma gentil y amorosa para que ellxs también traten de la misma forma a las generaciones que le siguen.
Y deseo que dejen un teatro mejor del que encontraron.

Si el teatro es el arte del encuentro con el otro ¿cómo enfrentas la emergencia que vivimos ante el COVID-19? ¿Qué deseas que ocurra cuando volvamos a estar juntos?

Me gusta imaginar que ahora crearemos desde el cuidado de nuestras redes afectivas, que cambiaremos la “competitividad” y la sustituiremos por “cooperatividad”, respetar el teatro como una responsabilidad ética y como fuerza ancestral de convivio. Al final, somos las mismas personas danzando alrededor del fuego y sintiéndonos vivxs.
Habitar otras formas de abordar el lenguaje. Creación desde la horizontalidad.
Estoy en un par de proyectos hermosos de creación (con Argot Teatro; Ella, habla/ Ciudad Sueño y Gender Art House) donde si existe una figura de dirección es para el trabajo hacia facilitar trayectos libres para la creación, no es una postura personal la que se impone sino es un espacio seguro donde habitan pensamientos críticos y heterogéneos. La figura de dirección es más bien un acompañamiento para impulsar y crear un espacio de confianza en la fuerza de las y los creadores escénicos.