talleres
Inscripciones abiertas
Como parte fundamental de las actividades del Festival Internacional de Teatro Universitario, presentamos 12 talleres con temáticas y prácticas urgentes que, atendiendo las inquietudes y temáticas presentes en la convocatoria de escuelas, consideramos necesarias para la actualización, preparación y práctica de las personas estudiantes sobre las distintas manifestaciones de la disciplina escénica.
Dirigido a: Estudiantes de artes escénicas, docentes de actuación, en todas sus modalidades y niveles; egresadas(os), actrices, actores profesionales e interesados en general que tengan experiencia teatral.
Se convoca a un seminario práctico de actuación, con reflexión sobre pedagogía teatral y la escena como campo propositivo y que brinde autonomía de creación a la actuación. Partiendo de una performatividad pedagógica igualitaria, se trata de identificar y performar sobre las modalidades interpretativas individuales, los territorios de las actuaciones locales e identitarias, situadas y las posibilidades de superación de las ideas de marcaje externo, y de actuación al servicio del texto o el “tema”.
Se trabajará sobre una propuesta de identificación de las modalidades interpretativas personales, el registro de intensidades en la actuación, y los territorios de actuación (prácticos) de los estilos y géneros en busca de identificar rasgos de actuación locales e identitarias. No es un seminario de “técnica”, sino de experimentación y reflexión para apropiarse de herramientas que otorguen independencia como creadoras y creadores de lenguaje actoral.
Del 2 al 8 de septiembre, 2024
Lunes a sábado de 9 a 13 h
Domingo de 17 a 20 h
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Mariana Percovich
(Uruguay)
Integrante del Núcleo en Arte y Cultura Visual, Facultad de Artes UdelaR y de la Maestría en Arte y Cultura Visual de dicha Facultad, en la Comisión Académica de la Maestría y docente en Estudios de Performance. Tanto desde la gestión como desde el teatro ha investigado y promovido el rol de la mujer en las artes, especialmente ha desarrollado una dramaturgia sobre la tragedia griega y la voz contemporánea de la mujer, así como el cuestionamiento del género en la recepción artística. Se caracteriza por investigar el espacio real y ha realizado espectáculos en ferias vecinales, estaciones de trenes, teatros abandonados y edificios patrimoniales. Comenzó en los 90 como directora independiente y desde entonces ha dirigido más de treinta espectáculos. Ganó tres premios Florencio, el Premio Morosoli de Plata en Dramaturgia, tres premios Iris, y el Premio ALAS a la Trayectoria. Entre 2008 y 2015 fue parte de la Compañía COMPLOT junto a Martín Inthamoussu, Gabriel Calderón, Ramiro Perdomo y Sergio Blanco. Sus espectáculos se han presentado en festivales internacionales del continente (FIBA, Santiago a Mil, Manizales,Londrina, Festival de Monterrey, Festival Internacional del Monólogo en México), y temporadas en Barcelona, Estado de San Pablo, Córdoba y Buenos Aires. Tiene obra teatral publicada y estrenada en Francia, Inglaterra, Argentina, Canadá, Venezuela, Colombia, México y Brasil. En el SODRE realizó la puesta en escena con orquesta en vivo de la ópera de Piazzola y Ferrer “María de Buenos Aires” (2021).
Requerimientos
- Calzado de suela (no tennis, no descalzos, no zapatillas deportivas). Calzado social, zapatos formales, pueden ser con tacón, pero deben ser cómodos para trabajar.
- Elementos de vestuario: sombreros, pañuelos, adornos, carteras, faldas, sacos formales, vestidos, objetos pequeños y elementos que permitan alterar la vestimenta contemporánea. Pueden ser viejos, de segunda mano, de sus madres, padres, abuelas. Si tuvieran una idea de siglo pasado sería mejor. Lo que tengan en casa. Gel y elementos para cambiar sus peinados contemporáneos.
- Texto: Cada participante debe elegir un texto breve (fragmento, no más de una carilla) de autora/autor mexicano puede ser poesía, dramaturgia, novela, cuento, que se usará como material de trabajo. También se puede seleccionar un monólogo corto del teatro universal que sea su preferido. Aquellos que quiso/quiere hacer y nunca pudo. El monólogo deseado.
En colaboración con la Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM DAJU de Danza UNAM
Dirigido a integrantes de la DAJU
¿Qué cosas te dan asco? ¿Alguna vez sentiste que le diste asco a alguien? ¿Cuáles son para ti las partes más asquerosas de un cuerpo? ¿En qué parte del cuerpo sientes el asco?¿En qué dirección lanza el asco al cuerpo?¿Por qué motivo alguna vez te llamaron asquerosa? ¿Cuál es el asco político? ¿Y lo asqueroso de una ciudad? ¿Cuáles son los movimientos del asco? Esta investigación es un sistema coreográfico de dramaturgia celular, grupal e individual construida por interrelaciones asquerosas, repugnantes, repulsivas, repelentes, inmundas, puercas, cochinas, guarras, marranas, cerdas, sucias, mugrientas, cochambrosas, nauseabundas, vomitivas, corrompidas, infecciosas, viciosas, deshonestas, viscosas y pegajosas.
Del 2 al 7 de septiembre, 2024
11 a 15 horas
Centro Cultural Universitario
Taller gratuito. Cupo limitado
8 de septiembre
13 horas | Salón de Danza
Presentación de resultado de taller al público
Entrada libre, cupo limitado
Quillén Mut
(Argentina)
Artista, sus prácticas van y vienen entre la danza, la performance, la dirección escénica y la pintura. Investiga la relación entre el movimiento y el sentimiento. Coordina espacios de formación autogestiva. Es Licenciado en Composición Coreográfica de la UNA, Buenos Aires, Argentina, donde es docente. Es parte de la camada 2024 del Programa de Artistas Torcuato Di Tella. En 2023 realizó la obra titulada “Coreografías de la vergüenza” junto al afectariado combativo y Silvio Lang cómo asesor artístico. Colaboró con: Escuela Yonofui, Celia Arguello Rena, Ana Pi, Rodolfo Opazo, Damiana Poggi,Diana Szeimblun, Marie Bardet, Osias Yanov, Manuel Abramovich, Rodolfo Opazo, Tobibi Bienz, Victoria Papagni, Val Flores, Nicolás Poggi y Ana G. Zambrano.
DAJU – UNAM
La Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM comenzó su historia el 6 agosto de 2018, ofreciendo un espacio para el desarrollo y la consolidación profesional de jóvenes intérpretes de danza recién egresados de escuelas profesionales o en proceso de consolidación profesional, con edades entre 18 y 24 años. Esta plataforma impulsada por Difusión Cultural UNAM y Danza UNAM, y que actualmente dirige el coreógrafo y director argentino Nicolás Poggi, promueve la investigación y la experimentación como método de trabajo para la creación de danza contemporánea.
Estructura:
- Los encuentros tendrán una primera parte de entrenamiento (1 hora) y una segunda parte de investigación coreográfica (3 horas).
- El trabajo está fragmentado en cuatro partes: 1) el estudio procedimental del movimiento personal de cada bailarín; 2) el trabajo con el archivo de sentimientos de asco; 3) la creación de sistemas de relación entre lxs bailarinas; y 4) la propuesta coreográfica o de dramaturgia espacial.
Dirigido a: personas estudiantes de escuelas de teatro que estén cursando el último año.
Este taller es una introducción a algunos de los fundamentos de la Máscara de Carácter. No se trabajará en la creación de personajes, sino que haremos un recorrido por distintos ejercicios que proporcionen un panorama general de los principios que integran el lenguaje de la Máscara, como herramienta para la conciencia del cuerpo, la síntesis del gesto y el juego actoral.
6, 9, 11 y 13 de septiembre, 2024
10 a 13 horas (4 sesiones)
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Gabriela Ochoa
(México)
Directora y dramaturga. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Egresada de la Licenciatura en Teatro por la Universidad Veracruzana, en Xalapa, y de la Maestría en Artes del Espectáculo por la Universidad de Saint-Denis, en París. Ha dirigido más de veinte puestas en escena. Algodón de Azúcar de su autoría y dirección, producida por Teatro UNAM ganó el Premio Internacional TALÍA a Mejor Espectáculo Latinoamericano por la Academia de las Artes Escénicas de España, 2024. Su trabajo se ha presentado en Buenos Aires, Valencia, Helsinki, Nueva York, París, Biarritz, La Habana y los principales teatros culturales de la Ciudad de México; así como en el Festival Internacional Cervantino, el DramaFest, la Muestra Nacional de Teatro, entre otros. Ha realizado residencias internacionales en Toronto, París, Buenos Aires y en Nueva York en SITI Company y en Lark Play Development Center. Beneficiaria de los programas del FONCA: Creadores Escénicos-B, Rutas Escénicas Internacionales y Residencias Artísticas en el Extranjero LPDC, NY. Su enfoque como directora está centrado en la composición de la imagen y sus alcances expresivos y simbólicos. Fundó la compañía Conejillos de Indias, A.C. www.gabrielaochoa.co
Dirigido a: niñxs entre 7 y 12 años.
Talleristas: Alondra Cuadrilla , Andrea Ruiz,
Margareth Linares y Gabriela López
Monitoras: Ytzel Torres Esquinca y Luz Barragán
Indispensable la compañía de una persona adulta responsable durante la jornada.
A partir del juego y el trabajo colectivo lxs participantes conocerán y explorarán tres técnicas de diseño, realización y animación de títeres. En este taller se busca a partir de prácticas escénicas cosechar el juego, la empatía y la atención en las infancias.
Sábado 14 de septiembre, 2024
10 a 13 horas
Duración: 180 min
Centro Cultural Universitario
Taller gratuito | Cupo limitado
Alas de lagartija – Colectiva titiritera
(México)
Creada a finales del 2020, integrada por creadoras mexicanas egresadas del Centro Universitario de Teatro CUT-UNAM y la Facultad de Arquitectura FA-UNAM. Actualmente su línea de trabajo e investigación se centran en el lenguaje de la máscara, títeres y objetos aplicado a lxs jóvenes e infancias de diversas comunidades en CDMX.
Ha trabajado como responsable del diseño, realización y animación de títeres y máscaras para diversas compañías de teatro como El llamado teatro, Hoy voy al teatro, Camaradas Teatro, Mil rostros teatro, Bestiario Teatro y el largometraje Mejor mañana hablamos de hoy. Como colectiva han trabajado en dos proyectos audiovisuales con temáticas político-ambientales, Las novias del Sol, el alma de los muertos, (homenaje a Homero Gómez, ambientalista asesinado en 2020), proyecto estrenado el 28 de agosto del 2021, con un conservatorio sobre el proceso creativo y Psicopompo, el Heraldo del destino, proyecto audiovisual con temática sobre los perros en situación de calle en México, actualmente en postproducción. En 2022 fueron seleccionadas por el Centro Cultural El Hormiguero para formar parte de su programa de LARVAS Creativas- Residencias artísticas 2022, estrenando en noviembre su primer montaje escénico, Isla Popotes o la historia de cuando quise abrazar un ave salvaje, obra ganadora de la categoría C4 Montajes para Jóvenes Audiencias del 30° FITU, con funciones en Teatro La Capilla (2023), El Círculo Teatral (2023), Teatro Santa Catarina de Teatro UNAM (2023), Foro La Gruta en Centro Cultural Helénico (2024) y El Granero, Xavier Rojas en Centro Cultural del Bosque (2024).
Dirigido a: personas estudiantes del CUT
Proyecto de mediación artística destinado a instituciones que quieran trabajar en territorio y con jóvenes creadores. Inspirado en El sueño de una noche de verano de Shakespeare y La noche de San Juan de Lope de Vega, Lucía Miranda creará una dramaturgia en formato dispositivo en base a estos dos clásicos. Se trabajará con ambas obras y con el teatro documental para generar relatos propios sobre el amor, el desamor, la relación con los padres y otros temas de las piezas. En un segundo taller se trabajará sobre el territorio y el site specific, creando una pieza que se mostrará en el Festival. El espectáculo final irá guiado por dos actores profesionales que trabajarán con los jóvenes creadores.
Del 5 al 9 de septiembre, 2024
Centro Cultural Universitario
Actividad gratuita. Cupo limitado
Lucía Miranda
Directora de escena, dramaturga y arteducadora nacida en Valladolid, España, en 1982. Es fundadora del Cross Border, compañía referente en España en el trabajo de artes escénicas con comunidades. Ha obtenido entre otros el Premio “El Ojo Crítico” de RNE de Teatro 2018, la Beca Leonardo BBVA y la Fulbright. Sus espectáculos se han estrenado en el Thalia Theatre de Nueva York, el Teatro Sánchez Aguilar de Ecuador, Microtheater Miami, el Teatro de La Abadía, el Teatre Lliure de Barcelona, Veranos de la Villa o el Centro Dramático Nacional de España, obteniendo los premios ACE y HOLA en Nueva York o el ONU Woman de América Latina contra la violencia de género.
Como dramaturga ha publicado en Ediciones Antígona Fiesta, Fiesta, Fiesta (finalista a mejor autoría teatral Premios Max 2019) y Casa; espectáculos que también ha dirigido. Ha coescrito y actuado en País Clandestino que ha girado por festivales como FIBA de Argentina, MIT Sao Paulo, Fidae de Uruguay o Almada en Portugal.
Como arteducadora ha coordinado proyectos de Teatro Aplicado en Estados Unidos, América Latina, Europa y África. Desde el 2020 es la coordinadora pedagógica de Nuevos Dramáticos, el proyecto para infancia del CDN, y cofundadora de Yo Cuento, el Laboratorio Teatral del Hospital pediátrico Niño Jesús. Tiene un Máster en Teatro y Educación por la New York University y es miembro del Director´s Lab del Lincoln Center de Nueva York. https://www.lucia-miranda.com/
En colaboración con Fundación Teatro A Mil
Dirigido a: estudiantes y profesionales de las artes escénicas
Es un taller práctico de entrenamiento y exploración, centrado en la relación orgánica entre la voz, el sonido y el movimiento. Su objetivo es revelar y desarrollar el potencial expresivo de nuestra voz, a través del movimiento y el juego. La sesión es un espacio-tiempo consagrado a la experimentación “en bruto”, donde el énfasis está puesto en el proceso de búsqueda, aprendizaje y en la capacidad autorreflexiva de las y los participantes respecto a los materiales otorgados por el taller. Es a la vez un espacio de confianza, en el que es posible reconocer nuestra voz-en-movimiento y abordar nuevos desafíos, en un contexto de laboratorio personal y juego colectivo.
Jueves 12 de septiembre, 2024
10 a 14 h, duración: 180 min
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado
Costo: $500
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Maria José Parga
(Chile)
Artista escénica, formada como actriz y creadora en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile y como bailarina y performer con destacados maestros y maestras de la danza contemporánea, el canto y la improvisación, tanto en Chile como en el extranjero. María José es también docente en el ámbito de la voz, el movimiento y la actuación teatral: desde el 2005 ha sido profesora universitaria en diversas escuelas de teatro, así como creadora y facilitadora de talleres de exploración y experimentación. Fue una de las cofundadoras de la disuelta Compañía Teatro de Chile, con quienes trabajó entre 2001 y 2013; se desempeña también como actriz junto a otros destacados creadores y creadoras chilenas: Ana Harcha & Francisca Bernardi, Fernando González, Néstor Cantillana, José Luis Vidal, Aliocha de la Sotta, Cristián Plana, Juan Pablo Peragallo, Rodrigo Pérez, Manuela Infante, entre otros. Entre 2013 y 2021 residió en Bélgica, donde continuó una Formación en Improvisación para la Performance. Allí colaboró con numerosos artistas y compañías, y desarrolló su propio proyecto, La Voix Présente, cursos y talleres de voz y movimiento, en Bruselas. Actualmente se desempeña como actriz en teatro y audiovisual, y como docente de la cátedra de Voz en la Escuela de Teatro de la Universidad Mayor y en la Escuela de Teatro Arcos.
Estructura:
La sesión se compone de tres momentos:
- Activación de nuestro cuerpo y nuestro(s) sonido(s): a través de ejercicios técnicos y de improvisación, exploramos el gesto respiratorio, avanzando hacia sonidos “primarios”, siempre a partir de y en relación al movimiento. El objetivo es despertar la disposición psicofísica al juego y la improvisación; conducir al tallerista, suave pero activamente, al “aquí y ahora».
- Exploración e investigación (individual y colectiva) de la relación movimiento/respiración/cuerpo/sonido, sus variaciones y combinaciones posibles en función del espacio, de los otros cuerpos, del momento presente.
- Improvisación y “performances”: desarrollo de una dinámica de improvisación vocal-corporal guiada, cuyo objetivo es poner en práctica los contenidos a través de la improvisación en movimiento y el juego.
En colaboración con la Universidad de California UCLA (EUA)
En este taller, lanzaremos provocaciones, a partir del trabajo con textos cortos de los Siglos de Oro Español y Novohispano, para que cada participante pueda crear una propuesta escénica personal a partir sus inquietudes individuales, ya sea con el ángulo del análisis político/social, la perspectiva estética o la poética personal.
Del 5 al 10 de septiembre, 2024
De 16 a 19 horas
Duración: 5 sesiones de 180 min c/u
Cupo limitado.
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Paola Izquierdo
Actriz, productora, directora y docente. Licenciada en Actuación y Maestra en Pedagogía Teatral por la ENAT-INBAL. Recibe los premios Actriz de Comedia (2016) por la ACPT; Mejor coreografía y/o movimiento para una obra (2022) y Mejor adaptación de obra de teatro o musical (2023) por la Academia Metropolitana de Teatro. Participó en el Programa de Intercambio de Residencias Artísticas 2010 en el Lark Play Development Center de Nueva York. Actualmente desarrolla, con el apoyo del SACPC, un proyecto de investigación y difusión de dramaturgia femenina de los Siglos de Oro.
*Beneficiaria del Programa Creadores Escénicos 2022-2025 del Sistema de Apoyos para la Creación y Proyectos Culturales (SACPC).
Fernando Villa
Actor, improvisador, escritor, productor y docente con 20 años de trayectoria. Estudió en el Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Desde 2018 es miembro del Lincoln Center Theater Directors Lab. Es miembro fundador de la compañía EFE TRES TEATRO, especializada en adaptaciones contemporáneas de textos clásicos y es Director Artístico del Festival Internacional de Teatro Clásico MX. Ha participado como actor en más de 40 puestas en escena entre las que destacan: Merolico, Entremeses Bululuados (2017), ¿Qué con Quique V? (2015) y El Príncipe Ynocente (2013). Actualmente co-dirige al lado de Paola Izquierdo y Allan Flores La falsa conferencia de La firmeza en el Ausencia basado en la obra de Leonor de la Cueva.
En colaboración con la Universidad de Buenos Aires y Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo
Dirigido a: Dramaturgos y dramaturgas con al menos 3 textos escritos y una obra estrenada
Se trata de poner en práctica una serie de ejercicios dramatúrgicos a partir de premisas claras y concisas, para analizar luego los rasgos y potencialidades del funcionamiento emocional de los personajes. Se pretende con esto considerar, aislar y practicar esta herramienta a consciencia.
Durante el siglo XX ha regido, por encima de todo otro modelo, el psicologismo a la hora de entender el funcionamiento emocional, tanto de los personajes como de los actores que los encarnan. Ese psicologismo ha quedado obsoleto y solo sirve para ilustrar un comportamiento estándar, convencional, o de catálogo.
¿En qué consistiría un modelo postpsicologista? Básicamente se trata de separar el aspecto psicológico del emocional, que suelen estar homologados. La emoción es un elemento aleatorio y su funcionamiento es arbitrario, y no siempre coincide con la psicología del personaje, que está ligada de manera lógica a sentimientos e intenciones. La emoción, en cambio, es arbitraria y mutante y se resiste a ser nombrada. Hablar de desorganización emocional nos ayuda a ingresar a un territorio de misterio respecto del comportamiento de los personajes.
6, 7 y 9 de septiembre, 2024
Duración: 3 sesiones (180 min c/u)
viernes y sábado, 11 a 14 h
lunes, 12 a 15 h
Taller virtual a través de ZOOM
Cupo limitado previo registro
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Javier Daulte
(Argentina)
Dramaturgo, guionista, director y docente. Por su trabajo ha recibido más de un centenar de distinciones a nivel nacional e internacional, entre los que se destacan el ACE de Oro, el Primer Premio de la Ciudad de Buenos Aires, el Konex de Platino al Mejor Director Década 2001 – 2011, Martín Fierro y el Premio Ciudad de Barcelona. De sus trabajos, cabe destacar: El Sonido, Carnicera, Me gusta, Las irresponsables, Ella en mi cabeza, El recurso de Amparo, Luz Testigo, Carnicera, Después de casa de muñecas, Valeria radioactiva, Siniestra, Clarividentes, Los vecinos de arriba, Nuestras Mujeres, Ni con perros ni con chicos, Venus en piel, Personitas, Novecento, Amadeus, Una relación pornográfica, Macbeth, Lluvia constante, 4D Óptico, Filosofía de Vida, Proyecto Vestuarios, Un Dios Salvaje, Baraka, La Felicidad, Nunca estuviste tan adorable, ¿Estás ahí?, Martha Stutz, Bésame Mucho, La Escala Humana y Criminal. Es autor de las series televisivas Para Vestir Santos, Tiempos Compulsivos y Silencios de familia. Dirige y programa el Espacio Callejón. En 2017 ALFAGUARA publicó su primera novela, El circuito escalera. En diciembre de 2023 la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires lo declaró Personalidad destacada de la Cultura.
Dirigido a: compañías, colectivxs y grupos con un proyecto de creación en proceso.
Teatro Línea de Sombra propone un encuentro con personas jóvenes creadores o colectives universitarios para participar en la fase procesual de su proyecto en curso Las periodistas cuentan. Intervenir en el proceso, asociarse a la experiencia, intercambiar conocimientos y pareceres será la finalidad del encuentro con l@s artistas escénicos que participen.
Los vehículos de intercambio serán la exposición dialogada, la participación informal en el laboratorio de creación y las conversaciones sobre los ejes y las coordenadas de las prácticas artísticas de TLS.
El proyecto escénico Las periodistas cuentan y, en paralelo, el desmontaje de dos de las piezas del repertorio de la agrupación, serán la base para la exposición de metodologías, procedimientos y estrategias que explican el lugar específico desde donde TLS observa los modos en que la realidad irrumpe en los procesos artísticos.
7 y 14 de septiembre y 12 de octubre, 2024
Duración: 4 sesiones (240 min c/u)
10 h a 15 h
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado, previo registro
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Teatro Línea de Sombra
(México)
Proyecto cultural creado en Monterrey en 1993 con residencia en la Ciudad de México desde 1994. Es un proyecto teatral sin fines lucrativos constituido como asociación civil desde 1999 y lo conforman creadores escénicos, pedagogos, investigadores y actores. Cuenta con la colaboración de músicos, escenógrafos, artistas visuales y de otras disciplinas afines. Actualmente, cuenta con sede en Coyoacán como centro de investigación en la creación, la investigación y la pedagogía. Sus creaciones están encaminadas a la exploración en el quehacer contemporáneo del teatro y en los mecanismos de acercamiento e intercambio con otras y diversas experiencias de la creación escénica en el ámbito nacional e internacional. Es un proyecto interesado en la búsqueda de caminos alternativos situados en las zonas fronterizas de lo escénico con las artes plásticas, la música, el video y en las posibles relaciones entre aquello que podamos denominar como teatral y las distintas disciplinas de la escena. Por otra parte, ha orientado su búsqueda a la investigación de los procesos de la escena y de la creación a partir de nuevas dramaturgias y/o escrituras espectaculares, a procesos transdisciplinarios y a la incorporación de nuevas relaciones con otros campos del conocimiento.
Estructura
- El laboratorio se llevará a cabo a través de una reunión inicial de presentación y exposición del mecanismo de operación del encuentro, vía plataforma digital, por confirmar fecha de la primera sesión.
- Posteriormente se realizarán 2 sesiones presenciales de cuatro horas cada una, los sábados 7 y 14 de septiembre en el marco de las actividades del #31FITU.
- Finalmente se solicita la asistencia de l@s artistas escénicos participantes a las cuatro funciones de Las periodistas cuentan, que se llevarán a cabo en el Teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque los días 3,4,5 y 6 de octubre.
- El encuentro termina con una tercera sesión en la que se realizará una revisión crítica de la experiencia, el sábado 12 de octubre, con una sesión de cuatro horas.
Dirigido a: personas que escriben poesía y personas que desean tener un acercamiento por primera vez
Únete al equipo de UPU para un taller de poesía a través de un recorrido por las obras de la pieza escénica para crear tu propia poesía. Este taller es para aquellas personas que ya han escrito poesía antes, así como para aquellas que quieran intentarlo por primera vez. Todas, todos son bienvenidxs.
Taller en idioma inglés
Viernes 6 de septiembre, 2024
11 a 14 horas
Duración: 180 min
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado, previo registro
Costo $500
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Miriama McDowell
Actriz, directora, oradora y madre de Tāmaki Makaurau. En 2002, se graduó de Toi Whakaari: New Zealand Drama School. Ha participado en innumerables películas y series de televisión en Nueva Zelanda desde Outrageous Fortune, Creamerie, This is Not My Life, The Brokenwood Mysteries hasta películas como Whina, The Dark Horse y Coming Home in the Dark. Ganadora del premio a la mejor actriz en los premios NZTV por su papel de Renee en Head High. También ganó un premio Moa a la mejor actriz por el largometraje The Great Maidens Blush en 2017.
Grace Iwashita-Taylor
Artista de ascendencia samoana, inglesa y japonesa, llegó al mundo de las artes escénicas a través de su trabajo con UPU/Palabras. Dedicada a tallar, elevar y sostener espacios para los narradores de historias de Te Moana nui a Kiwa. Es ganadora del premio CNZ Emerging Pacific Artist, 2014 y de la beca Auckland Mayoral Writers Grant, 2016. En su trayectoria destaca la Residencia de Escritores Internacionales en la Universidad de Hawái (2018); es cofundadora del primer slam de poesía juvenil en Aotearoa, Rising Voices (2011-2016) y de las colecciones colectivas y publicadas de South Auckland Poets Afakasi Speaks (2013) y Full Broken Bloom (2017) con Ala Press.
Estructura:
- Bienvenida
- Whakawhanaungatanga
- Juegos/actividades de calentamiento
- Activaciones de escritura
- Tiempo de escritura
- Compartiendo las obras
- Cierre
Dirigido a: profesionales de la escena que deseen incursionar en un ejercicio teatral que rompe con las convenciones del teatro dialogado.
Durante las sesiones nos sumergiremos en las bases del relato unipersonal, explorando sus partes fundamentales, desentrañando los elementos constitutivos que lo hacen único y los rasgos de construcción del personaje. A través de un enfoque práctico y teórico, aprenderemos a construir personajes sólidos, dotándolos de una profundidad que resuene con la audiencia.
Este espacio está diseñado para quienes buscan perfeccionar sus habilidades narrativas y teatrales, ofreciendo herramientas esenciales para la creación de historias personales que conecten y conmuevan. Ya sea que estés comenzando en el mundo del unipersonal o que busques refinar tu técnica, este taller te proporcionará las claves para dar vida a tus ideas en el escenario.
De acuerdo con el desarrollo de las sesiones, de ser necesario se acordará con el grupo una o dos sesiones adicionales el viernes 13 de septiembre.
8, 9, 11 y viernes 13 de septiembre, 2024
Duración 4 sesiones, 180 min c/u
domingo y miércoles | 17 a 20 h
lunes y viernes | 9 h a 12 h
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado previo registro
Costo $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Ricardo Rodríguez
(México)
Realizó estudios en el Centro Universitario de Teatro, UNAM. Ha tomado talleres con Eugenio Barba, Danielle Finzi, Victor Weinstock, Guillermo Gómez-Peña, Lucero Trejo y Alejandro García. Es miembro fundador de las compañías teatrales Tapioca Inn y Los Bocanegra. Ha dirigido obras como Goldfish; El Emperador (Festival Fringe de San Miguel de Allende), y Los Mejores Éxitos de los Noventas, estas dos últimas, son parte del díptico llamado “México, los jóvenes y el poder”. También Tiburón; DHL, (obra con giras nacionales y participación en festivales como Teatro a Una Sola Voz y Festival de la Joven Dramaturgia); Hikari, una poderosa máquina de velocidad, obra presentada en la Muestra Nacional de Teatro, Festival de la Joven Dramaturgia; Adiós Marineros, Adiós Monstruos del Mar; El niño que se comió la servilleta de su sándwich; y Hambre Vieja montaje con el elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro. Abrazar al Panda, Himmelweg y Parkour, Pedro y Tamara, Tornaviaje, entre otras. Actualmente es docente de Actuación en CasAzul Artes Escénicas y Audiovisuales.
Dirigido a estudiantes de último año y personas egresadas de escuelas profesionales de teatro.
Requisito Asistir previamente a alguna función de My home at the intersection
Taller en idioma inglés
Este taller indaga sobre la escritura a partir de la ficción y no ficción para la narración y la creación de piezas escénicas, utilizando temas relacionados con la historia, la autobiografía y la creación individual. Las personas participantes trabajarán en la identificación y exploración de sus propias historias, experiencias y emociones, las cuales serán la base del trabajo escénico. En el taller se incluirán ejercicios de escritura, improvisación y dramatización que permitan transformar las vivencias personales en material teatral. Aunque las experiencias son personales, se busca identificar temas universales como el amor, la muerte, la identidad, el miedo, etc., que puedan resonar con una audiencia más amplia, lo que permite a los participantes encontrar un sentido de conexión con los demás.
Además de ello, se generará un espacio de intercambio y puesta en común sobre producción a través de la experiencia de la Compañía Afra Tafri con su práctica artística en Europa y sus prácticas artísticas comunitarias.
Lunes 9 y martes 10 de septiembre, 2024
11 h a 14 h (Duración 180 min)
Centro Cultural Universitario
Cupo limitado, previo registro
Costo: $700
50% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM
Abhishek Thapar
(India/Amsterdam)
Creador independiente de teatro y performance, actor, profesor y artista radicado en Ámsterdam. Cuenta con un posgrado en Teatro Físico de la London International School for Performing Arts (2010-2012) y un Máster en Teatro de DAS Theatre, Ámsterdam (2015-2017). Su trabajo se desarrolla en la intersección del teatro contemporáneo, la práctica del arte social y las epistemologías poscoloniales. A menudo colabora con actores no profesionales y crea retratos íntimos en entornos inmersivos y formatos participativos. Sus obras tienen una dimensión social y política con un enfoque documental. Su trabajo escénico se ha producido y presentado en más de 15 países de todo el mundo. Entre sus piezas más destacadas se encuentran: My home at the Intersection (2017), Surpassing the Beeline (2018), Reverse Engineering (2019), The Art of Walking (2020), Cow is a Cow is a Cow (2021), White Money (2021), y Goodbye Erdoğan (2022).
Importante:
Los talleres son previa inscripción
Algunos talleres tienen costo
Cupo limitado
Indispensable revisar los requisitos previamente
Indispensable comprometerse a asistir.
Para cualquier duda, escribir a talleresfitu@gmail.com
